墨客的色彩世界

文/刘墨

     20世纪以来，世界范围的艺术最大的变化，就是与“具象艺术”相对的“抽象艺术”的出现。从学理上说，抽象一词指的是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一概念就叫作“抽象”。当这种新的绘画出现在人们的视觉中时，人们把它叫作“抽象绘画”(AbstractPainting)。它的含义非常广泛，凡是想脱离“模仿自然”的绘画的风格，多种流派都被包含在内了。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。从1930年起，由抽象观念衍生的各种形式，成为20世纪最流行、最具特色的艺术风格。

    虽说抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上，但是，抽象绘画呈现出来的类似于音乐的节奏与旋律的纯粹形色，却极大地发挥了人们的想象力，也激发了人们的自由创造的热情。
从艺术史的角度来说，抽象绘画的发展趋势，大致可分为几何抽象(或称“冷抽象”)，其特色为带有几何学的倾向，蒙德里安(Mondrian)堪称代表；与前者相对，抒情抽象(或称“热抽象”)，则强调绘画过程中的有机性，以康丁斯基(Kandinsky)为代表。不管后来有怎样的演变，这种基调却是存在的。
21世纪的艺术是多元的。

     在我与墨客的一次对话中，我们谈到了这样一个问题：

     墨客:现在这个时代,传统和民族限制没有界限了,我们都是以一种创新来创造艺术,但是传统还是要有,对传统去研究,去学习,让我们成熟,让我们有一种基础。当你研究传统文化的时候如果会影响艺术的创新,它就变成一种限制。我认为传统应该去学习,应该去研究,但是要放在心里,不能放在手上,放在手上的话，不能创新。这些传统的东西到了手上,不被手上的传统所限制,用你的心灵去控制的话,是能创出新的艺术出来的。如果用手去控制心的话,那就是一种限制艺术。现代很多艺术家用被限制的手去创作,根本不是我们所说的创新。

     我们学艺术的人开始模仿别人是应该的,但是在我们创作的时候不能让手没有心灵的控制去绘画,这种绘画是死的,这是一种受限制的艺术。
刘墨:中国的齐白石，您知道？他写了一首诗，叫“删去临摹手一双”，也就是说把他一双会临摹的手砍掉。

     这样我对墨客的艺术主张，有了一个基本的了解。

     从20世纪80年代以来在中国本土从事先锋艺术的人，也大多选择了抽象的方式。但那种方式大部分是模仿与移植，其形式其色彩在我的眼里，总是有些赝品的感觉。也许这种说法太过于苛薄，但我对他们的绘画的确总是感到有不尽如人意之处，比如用笔方式，比如色彩的爆发力，比如寓意，比如手感，比如颜料。

     在此，我愿意就我的画友墨客的作品发表一些看法。当我一口气看完他许多作品的时候，我徜徉在他的色彩的海洋里，我感觉到了一种莫名的审美快感。那红色如此热烈，蓝色如此忧郁，黄色如此娇嫩，黑色如此神秘……这些颜色在画面上交融、对撞，有的强烈，有的微妙，有的向后退缩着，有的却向前奔突。无论是他的大画还是他的小画，都是那么让人喜悦，让人沉醉。

      墨客对色彩是敏感的，他的敏感就像中国画家对待墨色。

      我和他没有更多的交流，在翻他的简历时，我发现他原来还曾对禅宗有过研究，从一个异域人的角度来看，禅宗与人的精神以至内心世界都更为密切，因为它教导人向内，向内寻求开悟之路。悟眼大开之际，这个世界是一个全新的世界。

     我相信在墨客的内心深处，一定有另外的眼睛可以洞穿这个世界。因为这个世界反映在他的画面上，正合禅宗的非雾非花之妙，一切都化为饱蘸颜色的笔触，在自由的挥运中揉进自己的灵性与觉悟。

    正如墨客自己所说，色彩是适合于每一个人的，但墨客的色彩，却只适合于和他心灵有共鸣的人。